Бабушкин сад. 1878 Холст, масло. 54,7 х 65 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Композиция картины, написанной в 1879 году, более замкнута, чем в Московском дворике. Значительную роль играет в ней архитектура. Сохраняющая следы былой красоты, она живет одной жизнью с обитателями усадьбы. Классические формы типичного московского особняка с портиком под фронтоном и лепными украшениями над окнами переданы художником очень точно. Так же точны костюмы двух женщин - темно-коричневый салоп и белый чепчик начала XIX века на старушке и розовое платье, сшитое по моде конца 1870-х годов, на девушке. Они медленно идут по освещенной солнцем желтой дорожке сада, а на усадебном доме позади них остаются рефлексы розового и коричневого, как будто незримые нити протянулись от старого дома к его обитательницам. Разросшийся сад кулисами почти вплотную подступает к женским фигурам. Художник дает целый спектр явных и скрытых цветовых и смысловых перекличек между зеленью деревьев, кустов, травы, тонкими гибкими стеблями цветов и женскими фигурами, их лицами, осанкой, одеждой. В итоге, Поленов создал один из самых красивых по живописи пейзажей настроения.
Продолжая в Бабушкином саде тему единства человека и природы, естественности жизни среди природы, Поленов расставил в ней новые акценты. Если в Московском дворике доминирует идиллическое настроение, воплощение которого было связано с предшествующим духовным опытом, то в Бабушкином саде художник передает то состояние лирической созерцательности, то элегическое настроение тоски по прошлому, по утраченному, которое приобрело особое распространение в русской живописи 1890-х годов. Поленов, сам того не сознавая, в определенной мере предвосхитил поэтику «мирискуснического пассеизма» со свойственной «Миру искусства» эстетизацией старины, угасания, восхищением закатными красками дворянской культуры.
Заросший пруд. 1879 Холст, масло. 77 х 121,8 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
В изображении старого парка, торжественного в своей монументальной величавости, преобладает возвышенно-мечтательное настроение. Оно подчеркнуто хрупкой неподвижно-задумчивой фигурой женщины, одиноко выделяющейся на фоне темных деревьев, раскинувшихся могучим шатром и как бы служащих ей надежным убежищем. Лирика пейзажного мотива становится более явственной благодаря единому настроению таинственного мира природы и мира женской души, их своеобразному диалогу. Один из критиков Московских ведомостей писал о картине: «Поленов превосходно владеет искусством и техникой изображения природы, идеальным центром для него является все-таки человек, и его присутствие чувствуется везде. Так и в картине Заросший пруд это не есть пруд “вообще”...У этого пруда есть своя история... В картине этой опять сказался романтик. Было бы весьма трудно с точностью определить ту категорию, под которую должна быть подведена картина г. Поленова... Картина Поленова - это то, что у немцев называется Stimmungsbild, такие картины рассчитаны на то, чтобы дать вам, прежде всего “настроение” и составляют в живописи приблизительно то же самое, что в поэзии составляет “элегия”».
В пейзаже заметно стремление Поленова к эмоциональным и визуальным контрастам. Ярко-зеленая, с подробно выписанными ромашками на первом плане, солнечная лужайка соседствует с таинственной глубиной темных масс деревьев. Через подернутые воздушной дымкой деревья открывается голубизна неба с белыми облаками, выступающая контрастом темным деревьям парка. Близкое к стилистике ландшафтов начала XIX века разнообразие пейзажа, его романтическая таинственность, неожиданность сочетаний светлых солнечных и затененных его частей имели в своей основе выстроенную до тончайших нюансов систему пленэристической живописи, разработанную художником еще в этюде Пруд в парке. Ольшанка (1876).
Больная. 1886 Холст, масло. 1 35 х 1 87 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина была задумана Поленовым в 1873 году под впечатлением знакомства в Риме с Елизаветой Богуславской, русской студенткой, приехавшей за границу учиться, тяжело заболевшей и умершей от туберкулеза легких. Лиза стала первой моделью для картины Смерть девушки, осуществленной позже под названием Больная. Глубоко поразила художника в это время и смерть в Риме юной Маруси Оболенской, которой Поленов увлекся во время пенсионерской поездки.
Тогда же, в 1873 году, был выполнен первый эскиз к картине. Продолжена работа над полотном была в 1881 году после смерти горячо любимой сестры-близнеца Веры и закончена в год смерти сына-первенца. Непосредственное чувство художника, пережившего боль потери близких ему людей, чувство неотвратимой смерти, беспомощности перед ней и недоумения перед ее бессмысленной беспощадной неразборчивостью, уносящей совсем еще юные жизни, - все это нашло воплощение в Больной. Как ни в каком другом произведении Поленова здесь ясно выразилось непосредственное чувство художника, его мироощущение.
Трагическое приближение смерти ощущается в обволакивающей комнату сине-пепельной тьме, поглощающей фигуру девочки-подростка, в ее осунувшемся лице с большими, наполненными мукой глазами, в скорбном силуэте женщины с безнадежно склонившейся головой, в тревожных, едва проникающих из-под задернутой шторы проблесках синего рассвета, спорящих с теплым светом настольной лампы. Но постепенно внимание зрителя привлекает изумительный по красоте живописи натюрморт с лампой под зеленым абажуром. Лампа отбрасывает мягкий теплый свет, и его радужные розовато-золотистые отблески падают на край постели больной, играют желтовато-оливковыми бликами на стакане и графине с водой, насыщают цветом потрепанные и выгоревшие обложки книг и, наконец, соединяют все эти цвета в приглушенных тонах красно-коричневой скатерти. По своему богатству и изысканности красочных сочетаний это - один из самых красивых натюрмортов в русском искусстве второй половины XIX века. Благодаря своей цветовой разработке он становится своеобразным символом вечной красоты этого мира, ощущение которой не утрачивается художником даже перед лицом страдания и смерти.
Христос и грешница (Кто без греха?). 1888 Холст, масло. 325 х 61 1 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Впервые картина была показана на XV Передвижной выставке 1887 года. Глазам зрителей предстала сцена, основной смысл которой заключался, по мысли художника, в несении людям идеи добра и всепрощения. «Кто из вас без греха, первый брось на нее камень», - ответил Христос возбужденной гневом толпе на вопрос о том, как поступить с женщиной, изобличенной в прелюбодеянии (по закону Моисея ее следовало подвергнуть избиению камнями). Согласно Евангелию, люди, «обличаемы совестью», разошлись. Так Христом был преподан народу наглядный урок новой морали.
Сюжет картины, замысел которой возник у Поленова еще в период его учебы в Академии художеств в 1868 году, позволял ему выразить важные для него нравственные проблемы, содержащиеся в евангельском повествовании - идею христианской любви к ближнему и нравственное самосовершенствование. Потому так важно для него было ее название. Уже на склоне лет Поленов с огорчением писал в одном из писем: «Картина эта была названа мною Кто из вас без греха. В этом был ее смысл. Но цензура не позволила поставить эти слова в каталоге, разрешили Христос и грешница... А в музее Александра III ее назвали «блудная жена», что совершенно противоречит евангельскому рассказу, где ясно сказано, что это согрешившая, а не блудная женщина... Так название и осталось. Оно и не мое, и не соответствует евангельскому рассказу».
Картина стоила художнику больших трудов и длительных периодов разочарования. Ее живописно-пластическое решение, композиционная разработка по существу оставались академическими с той только разницей, что основная по смыслу группа не являлась центральной. Вместе с тем стремление быть исторически точным заставило художника обратить особое внимание на достоверность архитектуры, пейзажа, предметов материальной культуры, костюмов, переданных средствами реалистической живописи. Возникшая при этом необходимость уравновесить красочно и линейно все части полотна путем сопоставления красочных пятен, в мерном чередовании которых исчезает глубинность линейного построения, привела его к стилистическим решениям близким живописи модерна. Таким образом, синтез, которого добивался художник, пытаясь обновить академическую живопись новейшими художественными средствами, оказался недостаточно серьезным и глубоким, что осознавал и сам Поленов. При этом сама попытка обновления академического искусства была значительна для русского искусства.
